8 книг о современном искусстве
1. Андреева Е. Ю. «Постмодернизм. Искусство второй половины XX — начала XXI века» (2007)
Книга Е. Ю. Андреевой об интернациональном изобразительном искусстве второй половины XX — начала XXI века посвящена поиску ответа на вопрос: что в каждый данный исторический момент понимают под словом «современный»? Читателю предлагается увлекательное путешествие через несколько пластов современности от 1940-х годов к сегодняшнему дню. Исследуя смену концепций современного искусства, автор рассказывает историю основных его направлений: абстрактной живописи, поп-арта, неодада, минимализма, концептуализма, лэнд-арта, политического и феминистского искусства, симуляционизма и апроприации, видео-арта. Творчество российских художников впервые рассматривается как составная часть общемировой эволюции актуального искусства.
2. Уилл Гомперц . «Непонятное искусство. От Моне до Бэнкси» (2016)
Эта книга — ответ тем, кто считает современное искусство не то заумью снобов, не то откровенным обманом. Какой смысл заключен в «Черном квадрате» Малевича? Что имел в виду Энди Уорхол, изображая бесчисленные банки томатного супа? И при чем тут вообще писсуар? В своем захватывающем и подчас шокирующем рассказе о полуторавековой истории современного искусства Уилл Гомперц не ставит перед собой задачу оценивать те или иные произведения. Он дает читателям «краткий курс» культурных кодов-подсказок, позволяющих самостоятельно ориентироваться в современном художественном пространстве и разбираться, где «пустышка», а где шедевр.
3. Иосиф Бакштейн. «Внутри картины. Статьи и диалоги о современном искусстве» (2015)
Иосиф Бакштейн — один из самых известных участников современного художественного процесса не только отечественного, но интернационального: организатор нескольких московских Биеннале, директор Института проблем современного искусства, куратор и художественный критик, один из тех, кто стоял у истоков концептуалистского движения.
Книга, составленная из его текстов разных лет, написанных по разным поводам, а также фрагментов интервью, образует своего рода портрет-коллаж, где облик героя вырисовывается не просто на фоне той истории, которой он в высшей степени причастен, но и в известном смысле и средствами прокламируемых им художественных практик.
Интервью Кети Чухров, диалоги с Ильёй Кабаковым и Андреем Монастырским, беседы с Екатериной Дёготь и Екатериной Лазаревой, Комар, Меломид, Энтони Гормли, Олег Кулик и другие, а также многочисленные эссе, очерки и воспоминания ждут вас на страницах этой книги.
«Первая выставка, которую я сделал на западе, называлась «Исkunstво». Мне уже было 43 года, я приехал в Западный Берлин на поезде и оказался за границей впервые в жизни. Я был куратором выставки и испытал настоящий культурный шок — Западный Берлин, Берлинская стена. Я же приехал ровно за год до того, как ее разрушили. Возможность жизни в эпоху перемен волнует тем, что история становится твоей личной судьбой. Ты живешь событиями, а события живут тобой, и время ощутимо протекает сквозь твое тело.»
4. О. Аронсон, Е. Петровская. «Что остается от искусства» (2015)
Сборником статей Олега Аронсона и Елены Петровской ИПСИ продолжает знакомить отечественную художественную общественность с трудами своих преподавателей, посвященными актуальным проблемам современного искусства и тем направлениям в философии ХХ века, которые исследуют цели и смыслы эстетических практик.
Обсуждение тем, которые затрагивают в своих статьях и диалогах Олег Аронсон и Елена Петровская, помогают читателю осознанно интерпретировать актуальную художественную проблематику в контексте кризиса основ неолиберального капитализма.
5. Сьюзен Сонтаг. «Против интерпретации»
Сьюзен Сонтаг (1933–2004) — американская писательница, литературный и художественный критик, философ культуры, политическая активистка. Мировую известность ей принесли сборники эссе «Против интерпретации» (1966), «О фотографии» (1977), «Смотрим на чужие страдания» (2004).
«Против интерпретации» - собрание эссе Сьюзен Сонтаг, сделавшее ее знаменитой. Сонтаг была едва ли не первой, кто поставил вопрос об отсутствии непроходимой стены между «высокой» и «низкой» культурой, а вошедшие в сборник «Заметки о кэмпе» и эссе «О стиле» сформировали целую эпоху в истории критической мысли ХХ века. Книга «Против интерпретации», впервые опубликованная в 1966 году, до сих пор остается одним из самых впечатляющих примеров картографии культурного пространства минувшего столетия.
6. Эрика Фишер-Лихте. «Эстетика перформативности»
В 2004 году в издательстве «Зуркамп» вышел итог десятилетнего исследования видного немецкого театроведа Эрики Фишер-Лихте — книга «Эстетика перформативности». В труде исследуется феномен перформанса в современной художественной культуре. Автор рассматривает искусство перформанса с не менее пристальным вниманием, чем принято в науке по отношению к традиционным видам искусства; исследует истоки перформанса и его современное бытование, и приходит к выводу о необходимости создания новой эстетики, способной его описать и истолковать. Книга предназначена для всех, кто интересуется перформансом, его местом в современной культуре, а также экспериментальным театром и новыми формами художественной практики в широком смысле слова.
Всего в книге семь глав. Вводные — «Перформативный поворот и новая эстетика», «Терминология» — содержат экскурс в историю вопроса, апеллируют к работам разработчиков термина Дж. Остина и Дж. Батлер и станут хорошим теоретическим подспорьем для тех, кто торопится отнести к ведомству «перформативного» пластический, визуальный и прочий «недодраматический» театр. Кроме того, здесь масса прекрасных описаний перформансов Ричарда Шехнера, «событий» Джона Кейджа, жестоких акций Германа Нитча.
7. Дмитрий Булaтoв. «Пo ту стoрону медиума: искусство, нaука и вooбражаемое тeхнокультуры»
В истории европейской мысли всегда существовала острая полемика о субъекте, первооснове или субстанции, которые предположительно скрываются за внешними проявлениями мира. «Спрашиваешь ли ты, из чего это сделано — из земли, огня, воды и т. д., или же ты спрашиваешь, каков паттерн этого?» — лишь одна из формулировок этого классического вопроса о реальности. И если традиционное учение о бытии задавалось вопросом об общем логосе или паттерне того, что стоит за природными феноменами, то сегодня интерес философов и теоретиков медиа сосредоточен на том, что находится по ту сторону знаковых потоков, — в ситуации, когда эти знаки, как и их физические носители, являются технокультурными гибридами. В какой мере дискурс и контексты современной технокультуры зависят от антропологической матрицы, традиционно связывающей воедино верования и ритуалы, реальное и воображаемое, субъект и объект? Или эти высказывания производятся чем-то совершенно иным, не проводящим различия между человеческим и нечеловеческим, между субъектом и объектом, чувственным и умопостигаемым? Сосредотачивая внимание на произведениях искусства, выполненных с использованием новейших средств XXI века — робототехники, IT и биомедицины — авторы этой книги пытаются выяснить, что продвигает нас дальше в нечеловеческую область, в сумеречную зону между природой и культурой, где наука, язык и коллективное воображение интерферируют и проникают друг в друга?
8. Кристиана Пол. «Цифровое искусство»
Кристиана Пол — куратор и исследователь новых медиа, профессор Школы исследований медиа в Новой школе (Нью-Йорк), куратор искусства новых медиа в Музее Уитни (Нью-Йорк). Автор множества статей и книг по искусству и цифровым технологиям, в том числе Context Providers — Conditions of Meaning in Media Arts («Провайдеры контекста — условия значения в медиаискусстве», 2011) и New Media in the White Cube and Beyond («Новые медиа в белом кубе и за его пределами», 2008).
Искусство, связанное с цифровыми технологиями, распадается на множество жанров и принимает самые разные формы, отсюда некоторая путаница в определении самого понятия «медиаискусство»: эта дефиниция объединяет цифровое искусство, нет-арт, диджитал-арт, компьютерные игры, виртуальные и гибридные реальности и многое другое. Не стремясь унифицировать эту гетерогенную и продолжающую активно расширяться область, Кристиана Пол описывает ее эволюцию и подробно останавливается на формах и темах, свойственных искусству данного типа.
Характерной чертой медиаискусства — в противоположность материальным объектам — является принцип «контролируемой произвольности», позволяющий бесконечно комбинировать и перегруппировывать информацию (в том числе визуальную). Этот метод использовали еще Марсель Дюшан и дадаисты, участники движения Flucsus и концептуальные художники, а также композиторы — Джон Кейдж Стив Райх, Терри Райли и Филип Гласс. Однако именно в последние два-три десятилетия благодаря технологическому буму и распространению интернета «контролируемая произвольность» стала одним из основополагающих алгоритмов культуры.
Цифровые технологии перестали быть «спецэффектами» — они стали выразительными средствами новых жанров. Блог, веб-сайт, компьютерная игра или квест в гиперреальности выступают в качестве самостоятельных артефактов, а наряду с активизмом появился хактивизм — деятельность, целиком опосредованная цифровыми носителями. Задает ли такое искусство вопросы? Сообщает ли новые смыслы? Можно ли выставлять его в музеях — или же требуются принципиально иные площадки? Как коллекционировать произведения, лишенные устойчивой материальной формы? Эти и подобные темы освещаются в книге, снабженной также перечнями основных медиахудожников, фестивалей и институций, связанных с эстетикой компьютерной эры.
